Anime : comment est-il réalisé, produit et crée ?

L’anime (アニメ) est une animation dessinée à la main et générée par ordinateur originaire du Japon. En-dehors du Japon, en français, le terme anime fait spécifiquement référence à l’animation produite au Japon. Par contre, au Japon et en japonais, l’anime (terme dérivé d’une abréviation du mot anglais animation) décrit toutes les œuvres animées, quel que soit leur style ou leur origine. Les animations produites en dehors du Japon et dont le style est similaire à celui des animations japonaises sont communément appelées animations influencées par les anime.

Nous diviserons le processus en 3 segments : la pré-production, la production et la post-production.

Pré-production : Il s’agit simplement de savoir quelle sera l’histoire de l’anime ou quel manga sera converti en anime. Qui va financer le budget de la réalisation de cette série d’anime ou de ce film. Tous ces éléments sont planifiés en pré-production.
Production : Signifie tout bonnement l’animation. Ici, la conception de la mise en page est faite avec des peintures numériques ou des dessins. Cette étape comprend la création et le montage de l’animation complète.
Post-production : Dans cette étape, les voix des artistes vocaux sont enregistrées et synchronisées avec l’animation. Et si un anime particulier doit sortir en plusieurs langues, le doublage est effectué à ce stade. De cette manière, un anime est prêt à être diffusé à la télévision.

Métiers de l'animation

La production d’un anime est un processus complexe, qui comporte de nombreuses étapes. Avant d’aller plus en profondeur, il convient de connaître les 12 principaux collaborateurs qui jouent le rôle principal dans la réalisation d’une série ou d’un film d’animation. Ce sont l’éditeur, le producteur, le réalisateur, le réalisateur d’épisodes, le réalisateur de la mise en page, le directeur artistique et cinématographique, le directeur de l’animation, le concepteur, l’animateur principal, l’animateur intermédiaire, les coloristes et le directeur de l’enregistrement.

Éditeur : Votre travail consiste à développer l’intrigue, le décor et les personnages, y compris l’écriture des dialogues de tous les personnages. Préparez un scénario complet – ce que vous voulez montrer dans un épisode. Ce qui signifie que vous êtes un scénariste et si nécessaire, vous pouvez aussi former une équipe de scénaristes. Ceux-ci écriront le script et vous lirez les scripts en faisant des ajustements et en préparant le script final.
Producteur : Un producteur gère le financement et la promotion de votre projet. Le producteur peut être soit vous, soit une société comme Viz Media ou AniPlex. Gardez toujours à l’esprit une chose : la société de production a beaucoup de pouvoir. Il se peut qu’elle vous demande d’apporter des modifications à votre histoire et que, par hasard, si vous ne le faites pas, vous n’obteniez aucun financement et que votre projet disparaisse à jamais.
Réalisateur : Le travail du réalisateur est de s’assurer que le design des personnages est en accord avec les scènes, l’angle de la caméra, le timing, etc. Il doit veiller à ce que tout soit parfait ou à ce que des changements soient nécessaires. Si des modifications sont nécessaires, quelles seront ces modifications ? Toutes ces choses sont contrôlées par le directeur dans le processus de production d’un anime spécifique. En gros, il est le chef qui est présent à chaque étape de la production et qui s’assure que tout se passe comme prévu.
Réalisateur d’épisode : Si le réalisateur est le patron définitif, le réalisateur d’épisode est un petit chef qui est assigné à un épisode particulier pour voir si l’épisode est réussi ou non. Il est clair que le réalisateur d’épisode travaille sous la direction du réalisateur et peut changer d’épisode en épisode.
Directeur de la mise en page : Oui, le directeur de la mise en page fait les mises en page. Comment les personnages seront-ils positionnés à l’arrière-plan d’une scène particulière, quel sera leur angle de caméra, à quoi ressembleront-ils dans la scène finale ? En fait, ils sont les directeurs de la photographie d’un anime.
Directeur artistique/réalisateur : Le directeur artistique/réalisateur est aussi connu sous le nom de réalisateur photographique. Son travail porte en particulier sur l’arrière-plan et les décors. Il collabore avec l’artiste d’arrière-plan pour gérer les éclairages spécifiques, les couleurs, les ombres et même la météo. On peut deviner l’importance des directeurs artistiques et cinématographiques en regardant les films de Makoto Shinkai (Your Name, Les Enfants du Temps, etc.).
Réalisateur d’animation : Le réalisateur d’animation est un animateur de haut rang auquel est confié un projet. Sa tâche consiste à veiller à la cohérence et à la qualité de l’animation. Si un quelconque problème est constaté, il le corrige. Notez qu’il y a plusieurs réalisateurs d’animation pour une série. Comme le réalisateur en chef de l’animation, sous lui, les réalisateurs subordonnés de l’animation, etc. Le travail du directeur de l’animation est assez éprouvant car si une erreur est constatée dans l’animation, le studio d’animation s’en prendra à lui.
Concept Designer : Le Concept Designer crée naturellement les concepts. Il vérifie comment les personnages doivent être vus dans différents environnements. Si un personnage est tiré d’un manga ou d’un light novel, le concept designer peut y apporter des modifications. Il dessine différentes scènes et arrière-plans, ainsi que les versions initiales et finales du monde de l’anime. Son rôle se situe donc à un autre niveau puisqu’il doit dessiner des concepts de types de monstres, de pouvoirs et de mouvements.
Animateur clé (key animator) : Le key animator est celui qui dessine les images clés. Celles-ci représentent les poses principales, les mouvements et les émotions distinctes des personnages. Souvenez-vous que plus il y a d’images-clés, plus l’animation est fluide. Les épisodes avec plus d’action auront plus d’animateurs clés que les épisodes avec plus de dialogues.
Animateur intermédiaire (In-Between) : Un anime comporte généralement 24 images par seconde. Celles-ci sont appelées « images intermédiaires » et sont dessinées par l’animateur intermédiaire. Comme cet animateur a pour tâche de dessiner un dessin 24 fois, son salaire est très bas. Par conséquent, personne ne pense à devenir un animateur intermédiaire. C’est pourquoi les studios engagent le plus souvent des indépendants pour ce travail.
Artistes coloristes : Ensemble, les animateurs principaux et les animateurs intermédiaires créent des images qui sont colorisées par les artistes coloristes. Le réalisateur veille également à ce que les couleurs soient conformes ou non à la scène. Le rôle de l’artiste coloriste est très important.
Directeur d’enregistrement : Ce sont les experts du son, de l’interprétation vocale et de la musique.

Tout commence par une idée

Tout anime doit débuter par une idée de scénario. Trois sources principales d’histoire existent pour les anime : les mangas, les light novels et les scénarios originaux. Bien entendu, les idées d’histoires peuvent provenir de n’importe où, mais les mangas et les livres populaires au Japon sont les plus intéressants à utiliser car ils ont déjà une base de fans.

Au final, toute histoire doit être convertie en un scénario adapté au support de l’anime, en tenant compte de la longueur des épisodes, du rythme de l’histoire et d’autres problèmes uniques auxquels ne sont pas confrontés les mangaka et les romanciers. Le réalisateur, ainsi que les scénaristes, sont des éléments essentiels de la mise en forme du scénario. Dès que le studio en question est satisfait du scénario, il donne son feu vert au projet et la pré-production commence.

Pré-production

Les studios d’animation eux-mêmes et les sponsors peuvent être impliqués, mais de nombreux anime sont des adaptations de mangas ou de light novels. Dans ce cas, les éditeurs prennent en charge les coûts (y compris les coûts de diffusion sur les chaînes de télévision).

La société de production (par exemple Aniplex) regroupe le personnel, les commanditaires et s’occupe de la publicité et des produits dérivés. Alors que beaucoup de gens décrivent les studios comme bon marché, seule la moitié environ du budget est souvent allouée au studio d’animation, le reste allant aux diffuseurs et autres sociétés contributrices.

Les frais de diffusion sont curieusement élevés : selon le blogueur ghostlightning, environ 50 millions de yens pour un créneau horaire de fin de soirée sur 5 à 7 stations pour une série de 52 épisodes. On comprend pourquoi les anime peuvent être un commerce onéreux. À titre d’exemple, Full Metal Alchemist, qui avait un créneau à 18 heures le samedi, avait un budget total de 500 millions de yens (avant les coûts supplémentaires).

Une fois le noyau dur de l’équipe réuni, les membres de l’équipe se rencontrent et planifient l’anime. Ils travaillent sur la composition de la série (comment l’anime va se dérouler à travers chaque épisode/au cours de la série) et sélectionnent d’autres membres de l’équipe : concepteurs de personnages ou de mecha, etc. Le réalisateur est l’une des personnes les plus importantes.

Les réalisateurs sont comme les réalisateurs d’un film, mais au lieu de s’occuper des acteurs, ils s’occupent des animateurs qui réalisent les personnages. Leur intervention consiste généralement à assister à des réunions et à prendre des décisions afin de gérer le calendrier, le budget et la qualité d’un anime.

À la suite des premières séances d’élaboration, les designs (personnage, mecha, costume, etc.) sont ensuite créés. La conception est évidemment un facteur important dans la création d’un bon anime. Les character designers ont pour tâche de simplifier les dessins des mangas/illustrations afin qu’ils soient adaptés à l’animation. Dans le cas d’un anime original, ils doivent créer de nouveaux personnages sur la base des descriptions du réalisateur/producteur.

Les character designers conseillent souvent encore les directeurs de l’animation sur les corrections à apporter à l’animation pour rester proche des modèles de leurs personnages. Ils sont alors généralement crédités en tant que directeur de l’animation de la série.

Production

Le scénario des épisodes est la première étape de la production. Les scripts complets sont rédigés à partir des synopsis/plans des épisodes, soit par une seule personne pour l’ensemble de la série, soit par plusieurs scénaristes différents sur la base des grandes lignes définies par le superviseur général du scénario.

Si vous ne le saviez pas, l’animation consiste à faire défiler rapidement des dessins représentant différentes phases de mouvement afin de créer l’illusion d’un mouvement réel. Le cinéma fonctionne de la même manière, mais chaque « image » est une photographie plutôt qu’un dessin.

Les scénarios sont examinés par le réalisateur, les producteurs et éventuellement l’auteur de l’œuvre originale avant d’être finalisés. Ces derniers sont débordés, donc on ne leur fait pas tout relire. Souvent, c’est après 3 ou 4 versions que les scénarios sont achevés. Le responsable de la réalisation de l’épisode, supervisé par le réalisateur général, s’empare alors de la colonne vertébrale de l’épisode et doit prévoir comment il se présentera à l’écran.

Le réalisateur a le dernier mot et participe aux réunions de production, mais c’est le directeur d’épisode qui est le plus impliqué dans le développement de l’épisode. Cette phase est exprimée sous la forme d’un storyboard (un scénario visuel), et le storyboard marque le début de la production d’animation proprement dite.

Post-production

Le storyboard est généralement créé par le réalisateur, ce qui signifie qu’un épisode est véritablement la vision de ce dernier. Toutefois, surtout dans les séries télévisées, des storyboarders distincts sont chargés de les dessiner. Cela est dû au fait que les storyboards prennent environ 3 semaines pour un épisode de TV-anime de longueur normale. Le réalisateur de l’épisode, le réalisateur de la série et les autres membres du personnel participent à des réunions de création et de production sur l’aspect de l’épisode.

Les story-boards sont généralement dessinés sur du papier A-4. Ils contiennent la plupart des éléments essentiels d’un anime : les numéros de coupe, les mouvements des acteurs, les mouvements de caméra tels que le zoom ou le panoramique, les dialogues (tirés du scénario) et la durée de chaque plan (ou coupe) en termes de secondes et d’images (que nous expliquerons plus tard). Étant donné que le nombre de dessins disponibles pour un épisode est souvent déterminé pour des raisons de gestion budgétaire, le choix des images est également soigneusement étudié dans les storyboards.

Les story-boards sont élaborés de manière approximative et constituent réellement l’étape essentielle pour décider du déroulement d’un anime. Les coupes correspondent à un plan unique de la caméra. Un épisode moyen d’anime télévisé contient généralement environ 300 coupes. Le nombre de coupes ne signifie pas nécessairement que l’épisode sera de meilleure qualité, mais il représente généralement un surcroît de travail pour le réalisateur/storyboarder.

La course aux chiffres ?

En règle générale, surtout pour la télévision, les anime sont animés à 2:s, ce qui signifie qu’un dessin dure deux images (ce qui équivaut à 12 dessins par seconde), mais il arrive que l’animation soit faite à 1:s (24 images par seconde) ou à 3:s. Si chaque seconde d’un anime était animée ne serait-ce qu’à 2:s, cela impliquerait d’utiliser environ 15000 dessins pour un épisode !

Dans les faits, étant donné que de nombreux plans ont des images statiques, ou que beaucoup de scènes ne nécessitent pas nécessairement un mouvement fluide, l’anime moyen compte environ 3000 images/dessins. Cela représente tout de même un grand nombre de dessins ! Il arrive souvent que des réalisateurs ou des producteurs se vantent que leur anime compte « 10 000 dessins par épisode » ou quelque chose du genre, ce qui est assez impressionnant. Attention cependant, cela ne signifie pas nécessairement que l’épisode est meilleur.

Les images sont souvent réalisées sur ordinateur. Une fois dessinées et vérifiées, elles sont numérisées. Ensuite, elles sont peintes à l’aide d’une palette de couleurs spécifiques par le personnel chargé de la peinture (généralement un travail peu rémunéré). Ces derniers utilisent les lignes d’ombrage dessinées par les principaux animateurs pour réaliser les couleurs d’ombrage. Cette étape de production, équivalente à celle de l’encre et de la peinture, qui était autrefois réalisée à la main, a permis de faire ressortir des styles visuels plus intéressants dans la coloration, comme l’utilisation de dégradés ou même de textures. Ces procédés auraient été trop difficiles à réaliser à l’époque. La nouvelle technologie a également permis de gagner beaucoup de temps et d’argent dans le processus.

À titre d’exemple, il semblerait que le premier épisode d’Evangelion n’ait utilisé que 700 images d’animation, alors qu’Angel Beats en a utilisé environ 11 000 dans le premier épisode ! Un excellent réalisateur peut faire des merveilles avec moins d’images en utilisant des compositions de scènes intéressantes et des raccourcis. Il arrive parfois que les réalisateurs ou les studios gèrent leur budget en fixant une limite au nombre de dessins pouvant être utilisés dans un seul épisode.